読響×ボルトンで聴くエルガー《ゲロンティアスの夢》——日本でも数えるほどしか演奏されない大作オラトリオの予習

エルガー《ゲロンティアスの夢》は、合唱と管弦楽、そして3人の独唱で描かれるオラトリオ。けれど、聴く体験は「宗教曲」という棚に収まらず、むしろ長大な“音楽ドラマ”に近いのではないでしょうか。死を迎える瞬間、その後の沈黙、魂が見知らぬ空間へ投げ出される感覚——その心理のグラデーションが、声とオーケストラの質感として迫ってきます。

読響がこの珍しい大作を、英国の名匠アイヴァー・ボルトンの指揮、英語圏の歌手陣と新国立劇場合唱団で演奏する。今日は「ストーリーの輪郭」と「ここを聴くと面白い」を手元に置いて、音の流れに身を預けたい夜です。

概要

公演情報

公演名: 読売日本交響楽団第657回定期演奏会
日時: 2026年4月28日（火）19:00 開演
会場: サントリーホール大ホール
指揮: アイヴァー・ボルトン (Ivor Bolton)
ゲロンティアス（テノール）: トーマス・アトキンス (Thomas Atkins)
天使（メゾソプラノ）: ベス・テイラー (Beth Taylor)
司祭／苦悩の天使（バリトン）: クリストファー・モルトマン (Christopher Maltman)
合唱: 新国立劇場合唱団（合唱指揮：冨平恭平）
管弦楽: 読売日本交響楽団
構成: 第1部・第2部の二部構成。間に休憩が入るのが通例（演奏時間の目安は休憩を除いた数字）

曲目

エドワード・エルガー：オラトリオ《ゲロンティアスの夢》op.38
- Edward Elgar: The Dream of Gerontius, Op. 38
- 作曲年: 1899〜1900年
- 初演: 1900年10月3日、ハンス・リヒター指揮、バーミンガム音楽祭
- 演奏時間: 第1部約30〜35分、第2部約55〜60分（合計約95〜100分）
- 楽器編成: フルート2（ピッコロ持ち替え）、オーボエ2（イングリッシュホルン持ち替え）、クラリネット2、バスクラリネット、ファゴット2、コントラファゴット、ホルン4、トランペット3、トロンボーン3、テューバ、ティンパニ、打楽器（バスドラム・シンバル・トライアングル・タムタム・ベル・グロッケンシュピール）、ハープ2、オルガン、弦楽5部

演奏家について

アイヴァー・ボルトン（指揮）

英国出身。古楽・バロック、古典派から歌劇場まで経験が厚く、現在はドレスデン祝祭管弦楽団首席指揮者、ザルツブルク・モーツァルテウム管弦楽団桂冠指揮者の任にある。バロック・オペラの復興にも貢献してきたタイプの指揮者で、声楽作品の“呼吸の設計”——テンポやダイナミクス以前の、「どこで息をさせ、どこで沈黙を作るか」という感覚——に強みがあるのではないでしょうか。

エルガーのこのオラトリオは英語の言葉のリズムが音楽の骨格を作る作品。英国合唱伝統の血肉化という点で、今回ほど適した指揮者はいないかもしれません。

独唱（アトキンス／テイラー／モルトマン）

ゲロンティアス役のトーマス・アトキンスは英国テノール。この役は単に美声を保ち続けるのではなく、瀕死の祈りから魂の彷徨まで、同一人物の変容を90分以上にわたって語り続ける持久戦です。語りの巧さと声の耐久力が等しく問われます。

メゾのベス・テイラーが担う天使役は、慰めの役割を持ちながら、甘いだけでは成立しない。深い和声の上に“輪郭のあるやさしさ”を置く必要があります。テイラーは2025年3月にBBCスコティッシュ響で天使役を歌い、英タイムズ紙から 「ジャネット・ベイカーの自然な後継者」 と評されたばかり。後述の推薦録音で触れるバルビローリ盤（1964年）の伝説的な天使ベイカーと並べて語られる歌手が、その役を直接サントリーホールで響かせる——録音史の延長線上で起きる演奏会、と言っていい巡り合わせです。

バリトンのクリストファー・モルトマンは司祭と苦悩の天使の二役。司祭は第1部終盤で魂を「送り出す」儀礼の声（“Proficiscere, anima Christiana”）、苦悩の天使は第2部終盤、神を見てしまった魂のために祈る存在——どちらも短い出番でありながら、場面の重みを一気に変えるバリトンが必要です。モルトマンは2018年の東京交響楽団（ノット指揮）によるゲロンティアスでも同二役を務めており、今夜のキャストで唯一「日本でこの曲を歌うのは二度目」の歌手です。

英語のテクストを英語圏の歌手で聴けることは、言葉が音楽へ溶けていく感じを味わううえで大きいと思います。

新国立劇場合唱団

この作品の合唱は“背景”にならない。祈りの群衆（第1部）から、悪魔、天上の存在（エンジェリカルズ）、煉獄の魂たちまで、同じ合唱が場面ごとに人格を変えます。劇場付きの合唱団が持つ「言葉の輪郭」と「場面転換の瞬発力」が、作品のドラマを支える根幹になるはずです。

演奏頻度について——英国と日本の落差

英国では何度でも演奏されている

英国では《ゲロンティアスの夢》は、ヘンデルの《メサイア》やメンデルスゾーンの《エリヤ》と並ぶ合唱レパートリーの定番です。エルガー協会の記録でも「英国内では今日でも頻繁に演奏され続けている」とされており、アーカイブを見ると2016〜2018年だけで年間8〜10公演ほどが記録されています。カテドラルや大学、各地の合唱協会が定期的に取り上げる「ハレルヤ合唱くらいの距離感」で演奏されてきた作品と言えるでしょう。スリー・クワイヤーズ・フェスティバル（ウスター、ヘレフォード、グロスター）では創設当初から繰り返し演奏されており、2022年ヘレフォード、次回2026年ウスターでも予定されています。

日本での上演は確認できる限りごく僅か

対して日本の記録はこうなっています（公開情報から確認できた主要公演のみ）。

年	指揮	演奏団体・会場
1975年9月	山口貴	フィルハーモニー合唱団＋日本フィル（日本初演、東京厚生年金会館）
2005年3月	大友直人	東京交響楽団（東京芸術劇場）
2018年7月	ジョナサン・ノット	東京交響楽団（サントリーホール、ミューザ川崎）
2025年4月	尾高忠明	大阪フィルハーモニー交響楽団（フェスティバルホール大阪）
2026年4月	アイヴァー・ボルトン	読売日本交響楽団（今夜）

※ 上表は確認済みの主要公演のみ。2018年のノット＆東響公演時点で「日本で6回目」と紹介されていた記録があり、1975〜2018年の間に他にも数公演があったとみられます。仮にそれを足しても、英国では一都市で年間複数回演奏される作品が、日本では初演から50年以上かけて10回に届くかどうか、というのが現実です。

この希少さを知ったうえで席に着くと、今夜のサントリーホールが少し違って見えてくるかもしれません。

作品を楽しむための準備——一曲＝大河をどう渡るか

今日は一曲勝負。だからこそ「一曲＝長い大河」をどう渡るかがテーマになります。

《ゲロンティアスの夢》は、宗教的主題を扱いつつ、音楽的には「後期ロマン派の巨大なオーケストラ語法」と「英語の言葉のリズム」が強く結びついた作品です。ワーグナー以後の半音階的な和声が、官能や不安、恍惚の感覚を作り出す一方、場面の切り替えは意外なほど劇的。オラトリオを聴くというより、オペラを“音だけで”観る感覚に近いかもしれません。

まずは「第1部＝死を迎えるまで」「第2部＝魂の旅」という二分法だけ掴んでおくと、長い流れが一気に見通せます。

聴く前に掴む3つの手がかり

第1部と第2部で、世界の“質感”が変わる（肉体感→非身体性）
主役は独唱だけではなく、合唱とオーケストラの“層”（背景ではなく出来事として鳴る）
言葉のリズムが推進力になる（意味が追えなくても、アクセントと息遣いがドラマを作る）

作品解説

曲の概要と背景

テクストはジョン・ヘンリー・ニューマン枢機卿（1801〜1890）の長編詩。エルガーは1889年に結婚祝いとして贈られたこの詩を10年間手元に持ち続け、1900年のバーミンガム音楽祭への委嘱を機に一気に作曲しました。そのバーミンガム初演は、合唱指揮者の急死と楽譜の納品遅延が重なった練習不足のせいで失敗に終わります。しかし客席にいたドイツの指揮者ユリウス・ブーツがこの作品のポテンシャルを見抜き、1901年にデュッセルドルフでドイツ初演。これが大成功を収め、翌1902年の再演を聴いたリヒャルト・シュトラウスは「最初の英国の進歩的音楽家、マイスター・エドワード・エルガーの成功と幸福のために乾杯する」と公の席で賞賛の言葉を送りました。英国ではその後急速に定番化し、現在もエルガーの全作品中で最も頻繁に演奏される作品です。

エルガーがスコアに書き残した一文

完成した総譜の末尾に、エルガーは英作家ジョン・ラスキンの『胡麻と百合』からの一節を書き写しています。

This is the best of me; for the rest, I ate, and drank, and slept, loved and hated, like another: my life was as the vapour and is not; but this, I saw and knew; this, if anything of mine, is worth your memory.

——これが私のすべてだ。あとは食べ、飲み、眠り、愛し、憎み、誰とも変わらず生きただけのこと。私の生は霧のようにあって消えた。しかしこれだけは——私が見、知ったことだ。私のものに何かしら残るものがあるとすれば、それはこれである。

エルガーは1899年の《エニグマ変奏曲》（当時42歳）で全国的に名を知られたばかりで、《ゲロンティアス》はその直後、初めてバーミンガム音楽祭から大規模委嘱を受けて世に問うた野心作です。その総譜の末尾に置かれた一行が、これ。「死を主題にしたオラトリオ」という枠を越えて、自分の生そのものを音楽に賭ける という覚悟がこの作品には書き込まれている——そのことを知ってから第1部の序曲を聴くと、低弦の陰鬱な動機の重みが少し変わって聞こえるかもしれません。

テクストの世界観

詩はカトリックの死後観（煉獄・浄化・神への接近）を基にしています。同時代の英国国教会の聴衆の一部からは「カトリック的すぎる」という反発もあり（作曲家チャールズ・ヴィラーズ・スタンフォードは「お香の臭いがする」と言ったとされます）。ただ今日では宗教的なスタンスより、「死の直前から浄化までを一人称の意識として体験させる音楽劇」という側面に注目する聴き方が広まっています。

なお詩の作者ニューマン枢機卿は、2019年10月13日に教皇フランシスコによって列聖 されました。英国非殉教者の聖人としては600年以上ぶり、近代以降の英国出身の聖人として最初のひとりです。「お香の臭いがする」と19世紀末に揶揄された詩のテクストが、現在では「聖人の手による詩」になっているわけです。120年あまりの時間が経って、作品を取り巻く宗教史の地形が静かに変わっている——という事実は、テクストとの距離感を考える材料になるかもしれません。

音楽的特徴

ライトモティーフ——オラトリオのオペラ化

エルガーはワーグナーのライトモティーフ（示導動機）技法をこの作品に徹底的に応用しました。「信仰」「希望」「恐れ」「天使の存在」「神の光」などに対応する動機が冒頭の序曲でまとめて提示され、以後の場面で変形・再登場します。独唱と合唱が単純に交替するのではなく、動機の変形がドラマの進行を担います。「この旋律、さっきも聴こえた気がする」という感覚は、聴き込むほどに明確になっていきます。

和声語法——「言葉の揺れ」が和声を動かす

エルガーの半音階的な和声はワーグナーの影響下にありながら、英語のアクセントとイントネーションに沿って動く独特のしなやかさがあります。ドイツ語のオペラのように推進力で押すのではなく、言葉の“揺れ”が和声を引っ張る。これが今夜の英語圏キャスト最大の存在理由で、英語母語話者が歌うと言葉の流れと音楽の流れが一体化する感覚が生まれます。

オーケストラの役割——「世界そのもの」を担う

ハープ2台・オルガン・豊富な打楽器を含む巨大編成の中で、オーケストラは伴奏ではなく「世界そのものの響き」を担います。第1部では重苦しく肉体的、第2部では次第に非物質的になっていく——この変化はオーケストラの音色によって作られます。弦の密度、木管の色、ハープと打楽器の光のさし方に耳を澄ませると、第1部と第2部が「別の宇宙」として聞こえてくるはずです。

構成と場面案内

第1部（約30〜35分）——死を迎えるまで

場面	内容
序曲	ライトモティーフの提示。暗く不安な音楽が「死の気配」を先行させる
ゲロンティアスの祈り	テノール独白。死の恐怖と信仰の間で揺れる内面
友人たちの祈り	合唱が「群衆」として登場。個人の物語が共同体の祈りへ開かれる
「Sanctus Fortis」	テノールによる信仰告白。第1部の頂点、最大の見せ場
司祭の祈り	バリトン登場。個人の祈りが儀礼的な言葉へ移行する
「Proficiscere」	司祭による魂への送り出し。「Go forth, O Christian soul…」——第1部の終わりにして、第2部への扉

第2部（約55〜60分）——魂の旅

場面	内容
魂の目覚め	肉体を持たない状態への「音の変質」。オーケストラの質感が変わる
天使との対話	メゾソプラノ登場。天使が魂を導く
悪魔の合唱	合唱が突然“嘲笑と呪い”の声に変わるスケルツォ的場面。最も異質で劇的
「Praise to the Holiest」	エンジェリカルズ（天上の存在たち）の大合唱。この作品の最大クライマックス
神との一瞬の対面	「God」——管弦楽が激発する一瞬。ほんの瞬間だが全てを変える
煉獄へ	苦悩の天使（バリトン）による浄化のことば。魂は煉獄へと送られる
「Softly and Gently」	天使の告別の子守歌。作品の締め括り——静かで深い終わり方

キキドコロ（聴きどころ）

第1部

序曲：ライトモティーフの声を聴き分けてみる
冒頭は派手な序奏ではなく、暗く重たい動機が積み重なる音楽。「不安」「信仰」「恐れ」に対応する旋律の断片が次々に提示されます。作品全体のスケッチとして聴けると、後から「あ、この動機があそこでも」という発見が増えます。
「Sanctus Fortis」：テノールの持久戦の核心
第1部の山場。ゲロンティアスが信仰を告白する長い独唱で、テノールに最も高い集中力が要求される場面です。美声を保ちながら、言葉の重さを失わないか——アトキンスがどこまで言葉を立てるかを聴きたい。
司祭の「Proficiscere」：声が変わる瞬間の転換点
バリトンの短い出番ですが、ここで音楽の“視点”が変わります。個人の恐怖が、死の儀礼という長い時間の連続の中に置かれる瞬間。モルトマンの声の存在感がここで作品の色を決めます。

第2部

第2部冒頭：オーケストラの音色が変わったと感じられるか
休憩後、第2部が始まる瞬間のオーケストラの質感の変化が、この作品最大の“音のトリック”のひとつです。同じ編成なのに「世界が変わった」という感覚を音だけで作れるか。
悪魔の合唱：不気味なスケルツォの異質さ
第2部の前半、合唱が突然冗談のような、しかし不気味な嘲笑と呪いの音楽に変わります。それまでの祈りの空気との落差が大きいほど怖い。「Praise to the Holiest」との前後関係でいっそう際立ちます。
「Praise to the Holiest」：この作品を代表する大合唱
英国ではこの部分だけ独立して讃美歌として歌われるほど有名な旋律。オーケストラ総奏と合唱が積み重なる壮大な場面で、全体のクライマックスのひとつです。「ようやくここまで来た」という感覚がある場所で、作品の長さがここで報われるような感じがします。
「神との一瞬の対面」：沈黙の重さ
管弦楽が一瞬激発し、その後に急激に音が引いていく場面。ほんの数小節で「神の存在」を表現しようとするこの書法は、巨大に描くのではなく“耐えられない眩しさで目が眩む”感覚に近いのではないでしょうか。
「Take me away」と苦悩の天使：作品の倫理的な核
神を一瞬見てしまった魂は、その光に耐えきれず「私を連れ去って、最も低い深みに置いてくれ」（“Take me away, and in the lowest deep there let me be”）と歌います。煉獄を恐れるのではなく、自ら煉獄を求めて懇願する——ニューマンの神学とエルガーの音楽がもっとも深く絡む箇所です。続いて苦悩の天使（バリトン）が「Jesu! by that shuddering dread which fell on Thee…」（イエスよ、あなたを襲ったあの戦慄ゆえに）と魂のために祈ります。アトキンスとモルトマンが続けて歌うこの一連は、声の交代だけで「魂の側」と「魂を見守る側」の視点切替が起きる場面。終曲手前の見落とせない山です。
「Softly and Gently」：静かな結末の深さ
天使が魂に告別を告げる子守歌。大団円ではなく、しずかに沈んでいくような終わり方です。背後では遠くから煉獄の魂たちの合唱が聞こえ、二つの世界が重ねられたまま音が引いていきます。100分の重さが静けさの中に溶けていく——ここまでの音響の“あと”をホールの空気ごと受け取る時間になりそうです。

指揮者	録音年・レーベル	特徴
バルビローリ（ハレ管）	1964年、EMI（Kingsway Hall）	古典的名盤。ジャネット・ベイカーの天使は今も他の追随を許さない。流れの自然さで全体像を掴みやすい
ボールト（LPO）	1975年、EMI	英国合唱文化の核心をそのまま録音。テクストの推進力が際立ち、合唱の役割がよく聞こえる
ブリテン（LSO）	1971年、Decca	ピーター・ピアーズのゲロンティアスは英語の言葉の扱いが卓越。日本国内盤で入手しやすい盤でもある
ラトル（CBSO）	1987年、EMI	オーケストラの色彩が鮮明で、第2部の空間感覚が掴みやすい。現代的な音作りで聴き疲れしにくい
ノット（東響）	2018年、NHK音楽祭ライヴ	今回と同じバリトン・モルトマンが出演。国内での近年の上演として比較の基準にもなる

まとめ

《ゲロンティアスの夢》は「死」を扱いながら、湿った悲嘆に終わる作品ではなく、意識が剥がれ落ち、別の次元へ移っていくプロセスを音として体験させる作品だと思います。英国では年に何十回も演奏される“日常の曲”が、日本では初演から50年以上かけても確認できる上演が10回に届くか届かないか——そのことを思うと、今夜のサントリーホールで起きることの密度が少し違って見えてきます。

意味を追いすぎず、声とオーケストラが作る“温度”の変化を全身で受け取りながら、長い旅を歩き切ってみたいところです。